在古巷弄的私人空间里，阿塞尔和妻子梅开辟了自己的家。家庭空间与艺术和古董事业天衣无缝地融为一体，成为如今阿塞尔维伍德公司的雏形。
这段上世纪70年代的过去中，蕴含着今天的公司仍在处处贯彻的核心精神：
对建筑和纯粹比例的尊重
寻找美和品质的不懈热忱
对融汇过去、现在和未来的一贯追求
分享经验、知识和灵感的开放胸怀
活在艺术中的经典理念
阿塞尔维伍德公司活跃于艺术、室内装潢与设计领域。自创立伊始，公司就是一个家族企业——阿塞尔、梅、他们的儿子鲍尔斯和迪克及一支100人左右的团队共同投身于公司的日常运营工作中。
在安特卫普初创后的五十年里，公司搬迁了两次。1986年，维伍德一家和公司搬去了格拉芬威索城堡。1999年，公司搬来了现在位于维纳海姆运河旁的总部，由一个旧工业区翻修而来，变身为融合了文化、商业和住宅的新家，艺术、设计和建筑在此欣欣向荣。
在公司迎来50周年之际，我们借此机会回顾历史，并与您分享珍贵回忆。从最近的里程碑事件开始，一路溯源往昔。每个瞬间都代表着公司一路沿革的愿景。在愿景的指引下，维伍德公司在所有业务中始终保持着鲜明的品牌。
装置和展厅依托现有的工业建筑，在精妙的设计下，为老建筑群焕发了新生。詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）的光线作品《红移》（1995）永久落户于此处的一间废弃礼拜堂。玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramovic）、奥拓·波尔（Otto Bol）、金守子、宫岛达男、奥拓·皮纳（Otto Piene）、塔基斯（Takis）和安吉尔·范盖拉（Angel Vergara）的作品则坐落于若干翻修过的谷仓中。此外，还有安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）的永久性装置艺术《世界边缘》，该作品被阿塞尔称为运河展馆“跳动的心脏”。
正式开业后，阿塞尔与梅·维伍德基金会在运河馆的Henro和Ma-Ka厅举办首展《Henro I》。展厅基于神圣比例的概念，与常年合作的建筑师三木达郎联手设计。《Henro I》由阿塞尔亲自策展，甄选了零派和具体派运动的艺术作品，从此开启了基金会的荣耀之路。
阿塞尔维伍德画廊还启用了三处新建或翻修过的场馆：Patio、Terrace和Escher，分别展出了艾尔·安纳祖（El Anatsui）、村上三郎、露西娅·布鲁（Lucia Bru）的作品。
十年里，福图尼宫举办过的展览如下：
艺术节拍：当时间变成艺术（2007）
学术圈：你是谁？（巴黎，2008）
无止境（2009）
TRA：演变的边缘（2011）
塔比埃斯：艺术家之眼（2013）
比例（2015）
直觉（2017）
每次展览的筹备策划都要花上数月的时间，有些甚至耗费数年之久，以研究揭示艺术史数世纪以来的成就。展览标题与维伍德基金会的艺术藏品相关，但更大程度上体现的是公司的艺术观。
比如，展览《艺术节拍》就来自对自然材料之精神的笃信。古旧的材料中包裹着历久经年的深沉能量，每件物品的光泽中都透出时光这位艺术家的耐心打磨。生活在来自各个时代的物品中间，人得以与过去的时光发生连结。
福图尼宫十年间的精彩展览始于对分享知识、探索艺术内涵的渴望。几十位艺术家精心创作的数百件艺术品在此展出，观展人数更是数以万计。在此期间，公司与当代艺术家、基金会、博物馆、画廊和策展人达成了重要合作关系，从而得以将艺术的魅力发扬光大，造福大众。
筹备展览的过程中，公司不断积累经验，而后在2008年成立了阿塞尔与梅·维伍德基金会。基金会而后举办了首展《Henro I》，也标志着阿塞尔迈上国际机构策展人事业的第一步。
对我个人和公司而言，每次展览都向前迈出了新的一步。策展团队的创意往往始于一个问题或点子。策展过程中，我们会继续发现更多更深的问题。每个主题都让我们收获新的知识。策展工作就是与他人分享知识的过程。
公司先将办公室和画室搬来了运河区，之后又收购了几件永久性的艺术装置，如安尼施·卡普尔的《世界边缘》。2000年后，公司决定将运河区打造为文化与居住社区。
该项目依托运河地区建筑原本的特色和历史风韵，在保留传统的前提下为其注入新的生命力。这是我公司许多项目的核心精神。这个大项目由迪克·威尔伍德牵头，由Bogdan & Van Broeck、Coussée & Goris、Stéphane Beel三支建筑团队和景观设计师戴斯维纳（Michel Desvigne）携手操刀。本着创造精品生活品质的宗旨，项目对老建筑进行了由内而外的翻修，让其变身为全新的居住与工作空间。
2017年，工程正式完工。运河区承载着100套私人公寓及配套的公共空间，包括餐厅、庭院和花园
公司和居民、商业、参观者共享宜人环境，并另添了工作室、画室、礼堂，以及维伍德画廊的永久性艺术装置和临时展览空间。
运河区花了好几年的时间，让梦想照进现实。你能看出它与古巷弄和城堡间千丝万缕的联系——一如连通过去与未来的桥梁。运河区谱写着自己的历史，它是带有生命力的艺术中心，在不断呼吸成长。
公司始终孜孜不倦地通过艺术了解世界、汲取知识。
2014年，画廊走进亚洲，在香港市中心的娱乐行开设了分画廊。
2017年，安特卫普画廊搬迁至运河区的新址，以白发一雄的纪念展作为开幕。
画廊早期设有专门的战后及当代艺术展区，主推欧洲、日本、韩国的艺术家，尤其是零派和具体派艺术运动的作品。随后，画廊又做了单色画专题。画廊的展品声名远扬，在全球艺术展中开始显山露水，馆藏也日益丰富。
艺术带来愉悦和无限灵感。艺术家迫使我们采取全新的方式看待世界。泰特、古根海姆这类知名美术馆本身就代表着对馆藏艺术品的肯定；此外，美术馆洋溢着对求知的热忱，在这样的环境里，普罗大众都能体会艺术之美。
四十年来，我们与艺术相伴，一同工作，一同生活。但公司的愿景远不止于此：我们立志探索艺术表达的普世方法。
最值得一提的是，基金会负责了2007-2017年间威尼斯福图尼宫的一系列展览筹划
阿塞尔担任策展人及基金会主席。他的目标是将自己对艺术影响力的见解分享给更多人。维伍德家族坚信艺术的内在力量能改变人生，提升对过去、现在和未来的洞察力。这一观点丝丝入扣地渗透在公司和画廊的工作中。
历经四十余载的筹备，基金会的艺术藏品逾700件，既有古老的典藏之作，也有当代的前沿艺术。基金会的成立源自维伍德家族贯通中西的心愿，尤为关注虚无之概念、艺术创作之姿态，以及时空的相关议题。
基金会的工作聚焦于人类的共同体验，以及艺术中所凸显的生命之和谐。每件作品都邀请我们对自我进行审视，思考在当今世界中应该踏上何种方向。
“灵感”每月都有音乐会安排，还组织年度的会员世界巡游活动，参加演出、造访博物馆、鉴赏私人艺术藏品，更有和建筑界的跨界活动。
“灵感”组织也参与艺术家赞助及慈善活动。会员以各种方式扶持年轻音乐家的职业发展，为他们提供展示才华的舞台。募得的资金用于给有潜力的艺术家颁发奖金、组织大师班、提供演出机会。“灵感”不收佣金，提供唱片录制资助和其他必要的制作支持。“灵感”由古典和当代音乐界的重要人物加持，提供指导和帮助。
想法很简单：“灵感”的目的是让大家能共享音乐这一经典艺术的美感。我还是个孩子的时候就热爱音乐，常常一整个下午安静地聆听母亲和她的朋友们弹奏钢琴和演唱。那些日子给我带来了无穷的快乐。一旦你体会过音乐的美，就会希望能把这种美分享给更多的人。
它不是展览。它是生活在此的作品。
在艺术中生活，即与艺术同呼吸，共生存。这是公司最重要的价值理念之一，传达在一点一滴的工作里。
安尼施有能力把实体交给虚无——他用物质来展现非物质性。他是空间的雕塑师。他的作品创造出完全真空的视效，引导我们思考无限。
这件作品是一个巨大的穹顶，内里是炽热的深红色。观者站在穹顶之下，仰望其形状与颜色，会感到自己无从寻觅这一空间的起点与终点，只觉无穷无尽，仿佛对无限的惊鸿一瞥。
我的想法是去造一个非物之物，在空间中开辟一个洞，做出一个实际不存在的东西。甚至可以说，它是一种超凡的存在——让人又爱又怕——是一片虚无，既有限又无限，再度激活了内与外、地与天、男与女、主动与被动、抽象与具体之间的象征性联络，拓展了我们所认识的一切。
在为期两年的大幅翻修后，家族和公司搬进了城堡及其附楼。新址位于安特卫普以东25分钟车程范围内。
我们认为自己有责任创造一个宁静而引人深思的生活空间，同时带给人们宝贵的家的温馨
城堡建于12世纪，是公司经营活动天造地设的场所，也与维伍德对艺术和设计的品味不谋而合。
房间反映了不同时期和流派的风格，但彼此间又存在连贯性，氛围和谐统一。
每个房间都有自己的特质、功能和独特的个性。这些年来，维伍德家族在此接待了数千名宾客，展示在家族事业中蕴含的感情。这种感情，用阿塞尔的话来说，往往难以言传。
阿塞尔毕生研究比例和几何学的神圣之处。在买下城堡后，他的研究立即派上了用场。一开始，杰夫·费尔海恩（Jef Verheyen）、伯纳德·列特尔（Bernard Lietaer）这样的密友给他推荐书籍并授课。他将所学知识运用到装修过程中，发挥出极大的价值。阿塞尔也将自己对比例的理解应用到了威尼斯福图尼宫的系列展览中，尤其是2015年的《比例》展。
对这座百年建筑心怀崇敬的同时，我们在其中开辟了一片当代艺术的空间。我们做的每一个改动都是为了让城堡更温馨、平易近人，抹去高高在上的调性，让其贴近自然。我们对自己身边一切事物的选择都是为了给生命的普世品质添加另一重维度。
设计不仅是为了解决问题，更是对最贴切的问题的寻觅。在这个过程中，你通过提问，就能更了解自己。
1982年的阿塞尔是一名35岁的经纪。他会花上数月乃至数年的时间，寻觅最高品质的艺术品和藏品，包括16世纪的禅意屏风，罕有的哥特橡木桌，华丽的巴洛克角柜，有龟壳和黄杨木雕刻小人装饰的安特卫普橱柜，皇室银器和17世纪科尔多瓦的皮革墙饰等。
首次展览，阿塞尔就陷入了概念上的两难：如何同时呈现不同时代、不同风格的多种优秀作品？他选择剔除虚浮的矫饰，将每样作品以其最真实的方式展现出来，以揭示其内在特质。这种“诚然坦荡”的理念也贯彻在公司多年来的许多活动里。
我决定回归最本真的东西。移除了地毯，露出水泥地板。拆除了吊顶，露出大皇宫上方的横梁。我当时还不知道“loft”这个概念，但我在巴黎的首秀就是这样一种粗粝、工业化的空间，层高很高，地板裸露，里面放着精彩的家具和艺术作品……一切都以折衷主义、率性的方式呈现。那正是我想要的效果。
这次展出冲击了许多观者对风格的认知。越来越多的客户及其亲友接踵而至，包括保罗·盖蒂博物馆的策展人，还有瓦伦蒂诺（Valentino）、于贝尔·德·纪梵希（Hubert de Givenchy）、罗斯柴尔德家族、鲁道夫·纽瑞耶夫（Rudolf Nureyev）、伊夫·圣·罗兰（Yves Saint Laurent）和皮埃尔·贝杰（Pierre Berge）、约翰·麦克劳林（John McLaughlin）、拉贝尔姐妹（Marielle and Katia Labèque），以及许多知名收藏家。
巴黎首战告捷后，1984年哈彻的明代青花瓷藏品展又大举成功。这批青花瓷器曾在17世纪中叶随着沉船坠入海底，直至20世纪80年代被迈克尔·哈彻（Michael Hatcher）船长打捞归岸。数千件瓷器在阿姆斯特丹的佳士得拍卖行拍卖，维伍德公司买下了大部分藏品，在伦敦的中国展首秀后又送去巴黎展出，展出期间多件藏品被博物馆和收藏家买下。
在1984年巴黎双年展上，阿塞尔用一个比例精心设计的塔式展位展出了这批瓷器，引发了轰动。这系列活动为公司蒸蒸日上的美誉度添砖加瓦，公司开始有了来自美洲和亚洲的客户。
哈彻系列挑战了我对明代瓷器的预设。每件瓷器都有独特的设计，如同行动绘画，既自由又现代。圆圈、细节和花卉都有自己的个性。哪怕是最小的细节里，也透露着艺术家不拘一格的手法。
当我踏上古巷弄的鹅卵石小径，发现其隐藏的庭院那一瞬间，就对那儿一见钟情了。那是一片秘密天地。我很快得知安东尼·凡·代克（Anthony Van Dyck）和雅各布·乔登斯（Jacob Jordaens）都是在这一带出生的。我的计划是对房屋进行翻修，让我的事业落户于此。在我13岁的时候，就已经在收藏美丽的物件，还一个人去英国旅游、求学、寻宝。我一直向往能生活在自己的个人空间里，周围摆满自己喜爱的事物，还能请客户走进我的世界
20世纪70年代，在古巷弄的他和梅的家里，阿塞尔的艺术和古董生意起步了。那几年，他对藏品、艺术、珍稀家具的经纪知识快速增长，而梅对色彩、质感、事物、花卉、礼宾和经营家庭的热忱更是为他如虎添翼。
客户被维伍德式的生活理念所吸引，而后开始提出内部装潢的需求。这项服务逐渐发展壮大。没过多久，阿塞尔和梅就秉持着自己在生活中对美与和谐的提炼感悟，开始从事房地产改装。这项服务奠定了我们如今业务的基础。
我一直想活在自己喜爱的事物中间。
我们每年都在世界各地完成大量内部设计项目，规模有大有小。完整的服务团队配备了艺术史、建筑、设计、项目管理、修复、物流后勤和各个相关学科的专家。
家是一个人与亲友共享私密时光的空间，应该能给人以疗愈和滋养。最重要的是，家能予人启迪，令人快乐。通常来说，在设计家居时的每一个决策都基于对快乐的追求。
我们追求家居设计的浑然天成，仿佛它一贯如此。对待每个项目，我们都怀有一种开放灵活的态度。灵感和创意随客户的要求一同演变。我们挑战彼此，以实现对项目更透彻的理解，交付最出色的结果。这样的合作氛围是友谊生长的最佳土壤，因此许多客户都成为了我们毕生的好友。
我们追求家居设计的浑然天成，仿佛它一贯如此。对待每个项目，我们都怀有一种开放灵活的态度。灵感和创意随客户的要求一同演变。我们挑战彼此，以实现对项目更透彻的理解，交付最出色的结果。这样的合作氛围是友谊生长的最佳土壤，因此许多客户都成为了我们毕生的好友。
除提供专业翻修服务之外，我们还在工作室里造出许多原创家具。我们的家居系列包括沙发、桌椅、家具和物件。
创造价值的艺术在于给物品一个更好的空间。我们所从事的工作，是帮助艺术品、物件、家具、古董和我们的原创设计找到属于它们自己的家。这种探寻和发现是我们最为看重的责任。
